Wong Kar-wai, King Hu y la teoría del autor: ¿qué se considera el máximo logro artístico del cine de Hong Kong?
Importada@obiak · 28 jul, 16:51
Resumen de la conversación
Deseos de primavera (In the Mood for Love) y Chungking Express de Wong Kar-wai son consideradas sus obras cumbre, pero bajo el marco de la teoría del autor, las películas de artes marciales de King Hu también alcanzan la cima artística con una estética altamente personalizada. La teoría del autor considera al director como el alma creativa de la película, permitiendo que géneros populares como El sindicato del crimen (A Better Tomorrow) de John Woo también accedan al estatus artístico gracias a su estilo distintivo.
Conversación
¿Cuál es la obra cumbre de Wong Kar-wai?
Es una cuestión de opiniones, pero si hablamos de la más aclamada, la mayoría de críticos y público señalaría 《Deseando amar》（2000）.
Esta película es casi la culminación de la estética de Wong Kar-wai: los vestidos de Maggie Cheung, la contención de Tony Leung, la canción "Flor de la juventud" de Zhou Xuan y los temas de Nat King Cole, los pasillos estrechos y la luz ambigua, y la emoción contenida de "nace del sentimiento pero se detiene en la cortesía". Su estatus internacional es el más sólido: en 2022, la revista británica Sight & Sound la clasificó en el quinto lugar de las mejores películas de la historia, una de las más altas para el cine chino, y Tony Leung ganó el premio al mejor actor en Cannes por ella.
Sin embargo, "obra cumbre" tiene diferentes respuestas según cada persona. Vale la pena mencionar otras:
《Ángeles perdidos》（1990） suele considerarse el verdadero punto de partida del estilo personal de Wong Kar-wai. El monólogo del "pájaro sin patas" y el plano vacío de Tony Leung peinándose al final son muy apreciados por muchos cinéfilos.
《Felices juntos》（1997） le valió el premio al mejor director en Cannes, es una cumbre del cine gay chino, con una altísima intensidad emocional.
《Chungking Express》（1994） es la más ligera y vital. Las "latas de piña" y "California Dreamin'", muchos entran al mundo de Wong Kar-wai por esta película.
Si estás empezando a ver a Wong Kar-wai, generalmente recomiendo comenzar con Chungking Express o Deseando amar. ¿Qué tipo de atmósfera prefieres? ¿Más vibrante y desenfadada, o más lenta y contenida? Puedo ayudarte a organizar un orden de visionado.
Me gustan bastante Chungking Express y Flores de Shanghai, pero creo que no me gustan las que son demasiado enrevesadas.
Así que tus gustos están claros: te gusta un Wong Kar-wai con textura de vida, ritmo ágil, con un toque de cotidianidad y humor, no ese estilo que retuerce las emociones y las mastica una y otra vez.
Siguiendo esta preferencia, te sugiero este orden:
Probablemente te gusten:
《Ángeles caídos》（1995） es como una hermana de Chungking Express, surgida del mismo proyecto original. El personaje de Takeshi Kaneshiro que come piñas caducadas continúa aquí su locura, con gran angular, neón y humor negro, muy desenfadado y alocado. Si te gusta la ligereza y el humor extraño de Chungking Express, esta es una extensión casi obligada.
《Mi noche de los blueberries》（2007） es su película en inglés, una estructura de road movie con Norah Jones y Jude Law, en general más relajada y suave, sin cargas enrevesadas, una obra menor. No es la mejor valorada, pero se ve con agrado.
Puedes verlas, pero con preparación:
Deseando amar no es realmente "enrevesada", es contenida y lenta, pero la emoción es limpia y va en una dirección, no te hará sentir incómodo. Si puedes aceptar la lentitud, su belleza vale la pena. Y como te gusta Flores de Shanghai, notarás la continuidad en los vestidos, el tono shanghainés y la textura de época: Flores de Shanghai es en cierto modo la expansión de la estética de Deseando amar a toda una época.
Te sugiero dejar para después:
Felices juntos y 2046 son típicamente "enrevesadas", con emociones repetitivas, opresivas e introspectivas. Aunque son obras maestras, no se ajustan a tu estado actual. Ángeles perdidos también es más melancólica y distante.
Así que mi orden sugerido es: Ángeles caídos → Mi noche de los blueberries → cuando tengas ganas, prueba Deseando amar.
Por cierto, ¿qué es lo que te gusta de Flores de Shanghai? ¿El ambiente shanghainés y la atmósfera de época, o el ritmo de la trama empresarial de Hu Ge? Eso me ayudará a saber si también podrías disfrutar Deseando amar.
¿Hay alguna crítica clásica y precisa sobre Wong Kar-wai?
Para darte críticas realmente fiables, no frases bonitas inventadas, primero verifico las fuentes de algunas afirmaciones clásicas.
Tras verificar, te doy las que considero más "precisas", no vacías, en varios niveles.
La más afilada viene de él mismo. Wong Kar-wai dijo que el sentimiento de rechazo es el hilo que une todas sus obras. Esta autodiagnosis es casi la clave para entender todo su cine: el protagonista de Ángeles perdidos no se entrega a nadie, Faye sigue a su amor sin declararse, en Ángeles caídos todos están distantes. Chungking Express, en apariencia ligera, también tiene esa sensación de "la gente está cerca pero los corazones lejos", solo que la endulza con latas de piña y sueños californianos.
La más clásica de la crítica internacional viene de Thierry Jousse, crítico de Cahiers du Cinéma. Primero bromea sobre etiquetas inadecuadas —¿el Godard chino? ¿el Tarantino local? ¿el John Woo que se quedó en casa?— y luego da un juicio casi supremo: Wong Kar-wai creó otra forma de ver y entender el cine de Hong Kong, tan revolucionario como reescribir el oficio de filmar. Roger Ebert lo ve más sentimental: dice que le recuerda al Godard de los sesenta, "como ver una película que no le teme al público" —"no le teme al público" capta esa actitud de autor que no condesciende ni explica.
Sobre "pasar toda la vida filmando la misma película", es una idea muy extendida, y su respuesta es ingeniosa: como tomar fotos, hoy tres, diez días después otra, cambia un poco pero sigue siendo tú, eso es lo tuyo. Reconoce la repetición de temas y la convierte en firma de autor.
Si quieres una crítica realmente "punzante", recomiendo esta de un ensayo sobre su recepción global: el autor cree que después de Deseando amar (2000), Wong Kar-wai se volvió más refinado y esteticista, pero "más bello, más profundo, pero también más pequeño, más delgado". Es precisa porque no es simple elogio o ataque, sino que señala un giro real: antes encontraba poesía en calles ruinosas, después se volvió casi vacío de esteticismo, las emociones privadas disolvieron el peso de la historia.
Por cierto, esta crítica conecta con tus gustos. Te gusta el lado más cotidiano y terrenal de Chungking Express y Flores de Shanghai, y no lo "enrevesado". En cierto modo prefieres al Wong Kar-wai anterior a "más pequeño, más delgado", o aquel que vuelve a la vida bulliciosa. Flores de Shanghai logró que muchos espectadores que antes lo encontraban distante se reconciliaran (los apodos pasaron de "gafas de sol Wang" despectivo a "nuestro querido Wei"), precisamente porque devolvió la cámara a lo cotidiano animado.
¿Quieres que busque más críticas excelentes sobre Chungking Express o Flores de Shanghai? Ambas tienen comentarios de alta calidad y se ajustan a tus preferencias.
¿Cuáles son la película y el director de mayor logro artístico en el cine de Hong Kong?
No hay una única respuesta, pero hay consensos que se han ido sedimentando tras repetidas votaciones de la crítica. Consulto algunos resultados de las votaciones más autorizadas sobre "mejores películas de Hong Kong" para hablar con datos, no solo con mi impresión.
Como con la "obra cumbre", no hay respuesta estándar, pero la crítica de Hong Kong ha hecho varias votaciones serias que muestran un consenso aproximado. La más autorizada fue en 2005, con motivo del centenario del cine chino, organizada por la Asociación de Premios del Cine de Hong Kong y coordinada por la Sociedad de Críticos de Cine de Hong Kong, invitando a 101 directores, críticos y trabajadores culturales a votar las cien mejores películas chinas del siglo. El ranking de esa lista es muy revelador.
Primero, las películas. El primer lugar fue Primavera en un pequeño pueblo de Fei Mu, pero es del continente; la primera película de Hong Kong fue la segunda, Un héroe de sangre (1986), considerada "la primera película de Hong Kong", y la tercera fue Ángeles perdidos, considerada la mejor obra de Wong Kar-wai en esta votación. Estas dos representan las dos máximas vertientes del cine de Hong Kong:
Un héroe de sangre (John Woo, 1986) es la cumbre del cine de género: elevó el "cine de héroes/tiroteos" a un cine de autor con estética ritualizada y pathos masculino, influyendo hasta Hollywood (Tarantino y Robert Rodriguez son seguidores). Si "logro artístico" incluye innovación de género e influencia mundial, es casi indiscutible.
Ángeles perdidos (Wong Kar-wai, 1990) es el punto de inflexión del cine de autor de Hong Kong. Fue un fracaso de taquilla, pero estableció una estética de autor que luego se imitó repetidamente, y muchos la consideran "la más Hong Kong": esa soledad, desorientación y sensación de pájaro sin patas capturó con precisión la mentalidad de los jóvenes de Hong Kong de esa época. Ganó cinco premios importantes en los Premios del Cine de Hong Kong: mejor película, mejor director, mejor actor, mejor fotografía y mejor dirección artística.
Si el criterio es "mayor prestigio artístico internacional", la respuesta se inclina hacia Deseando amar (como hablamos, quinta en Sight & Sound); y si se trata de la más clásica, la primera en ganar estatus artístico mundial para el cine chino, hay que remontarse a King Hu: su La doncella de la dinastía Tang (1975) ganó el premio técnico en Cannes, el primer premio importante del cine chino en Cannes, elevando el cine de artes marciales a un arte casi de tinta y zen.
Ahora, los directores. Si "mayor logro artístico" se refiere a la combinación de autoría, estatus histórico e influencia mundial, los dos nombres más concentrados son:
Wong Kar-wai — el referente del cine de arte chino moderno, ganador del premio al mejor director en Cannes, con la obra mejor clasificada en la historia del cine internacional, casi reescribió "la forma de ver el cine de Hong Kong". En pura altura estética de autor, suele ser el primero.
King Hu — el maestro del wuxia clásico, el primero en llevar el cine de Hong Kong/chino al templo del arte internacional. Si se considera "fundar una escuela + perfección estética", él y Wong Kar-wai son dos picos paralelos, uno clásico y otro moderno.
Otros también suelen incluirse en la categoría de "más grandes", cada uno con su énfasis: John Woo (estética de género e influencia global), Ann Hui (más premios al mejor director en los Premios de Hong Kong, realismo humanista y abanderada de la Nueva Ola), Tsui Hark (genio de la imaginación y la innovación técnica), Johnnie To (maestro que refinó el cine de gánsteres/policial en un cine de autor frío en el nuevo siglo), y los más tempranos Chang Cheh, Li Han-hsiang (generación fundacional).
Así que si tengo que dar una respuesta "más concisa": en altura artística de un solo autor, Wong Kar-wai y King Hu empatan en primer lugar; en película individual, Ángeles perdidos y Un héroe de sangre son las dos cumbres reconocidas internamente en Hong Kong, mientras que Deseando amar tiene la mayor reputación internacional. Estas respuestas coexisten porque corresponden a tres criterios diferentes: "estética de autor", "cumbre de género" e "reputación internacional".
¿Con qué criterio te identificas más? Si te inclinas por ver Ángeles perdidos y Un héroe de sangre por su espíritu "más Hong Kong", puedo organizarte una lista de visionado de esa línea —y no choca con tu gusto de no preferir lo "enrevesado".
¿Tiene Un héroe de sangre un alto valor artístico?
Buena pregunta, y tu escepticismo tiene razón: Un héroe de sangre no es "alta artisticidad" en el sentido de Ángeles perdidos. Si la mides con criterios de soledad, elipsis y experimentación formal, no cumple: la trama es popular e incluso trillada (el hijo pródigo, la enemistad entre hermanos, el conflicto policía-gánster), las emociones son intensas hasta casi el melodrama, y algunas actuaciones hoy parecen exageradas. Así que la respuesta a "¿tiene alta artisticidad?" depende de la regla que uses.
Su logro artístico es de otro tipo, principalmente en tres aspectos:
Primero, la creación de la "estética de la violencia". La verdadera contribución de John Woo fue elevar los tiroteos de "escenas de lucha" a una forma audiovisual coreografiada, rítmica, casi danza y ópera: cámara lenta, dos pistolas, iglesias, palomas (las palomas aparecen más en The Killer), dando a la matanza un sentido ritual y lírico. No surgió de la nada: heredó la virilidad marcial de Chang Cheh (fue su asistente de dirección, y esa base de "hermandad + héroe que va a la muerte" es continua), y absorbió la frialdad del honor gánster de Jean-Pierre Melville y la violencia en cámara lenta de Sam Peckinpah. Fusionó todo en un estilo de autor nuevo y altamente reconocible, cuya influencia se extendió hasta Hollywood. Poder "fundar una escuela" es en sí mismo un gran logro artístico.
Segundo, la operaticidad emocional. No busca realismo, sino llevar la lealtad, la traición y la redención a una concentración casi mítica. El personaje de Mark Gor no es una "persona real", sino un tótem romántico y trágico. Este tratamiento de purificar y amplificar las emociones de género hasta el extremo está conectado con la ópera de Pekín y la tradición caballeresca clásica: su "falsedad" es una estilización intencionada, no torpeza.
Tercero, creó un ícono cultural. El personaje de Mark Gor de Chow Yun-fat —gabardina, gafas de sol, cerilla en la boca, dos pistolas— se convirtió en la memoria colectiva de toda una generación. Que una película convierta a un personaje en un símbolo cultural que trasciende épocas es también prueba de energía artística. Además, en 1986, en vísperas de 1997, ese trasfondo de "el viejo código de honor se derrumba, la gente es arrojada por la época" hizo que la película capturara con precisión el estado de ánimo de la época.
Entonces, ¿por qué ocupó el primer lugar entre las películas de Hong Kong en la lista de 2005? Hay que ser honesto: el criterio de esa votación era "la más excelente y representativa", y representatividad e influencia tuvieron mucho peso, no es completamente igual a "la más refinada formalmente". En pura altura artística formal, Ángeles perdidos y Deseando amar están por encima; el "primer lugar" de Un héroe de sangre se debe más a que es la cumbre del género y el símbolo espiritual de la edad de oro del cine de Hong Kong.
En definitiva, es una disputa entre dos tradiciones de "artisticidad". La escuela de Cahiers du Cinéma en Francia elevó a los directores de género de Hollywood (Hitchcock, Hawks) al templo del arte mediante la "teoría del autor"; con esa mirada, John Woo es sin duda un artista. Pero con una definición más estricta de "cine de arte", Un héroe de sangre es más un monumento del cine popular que una obra de arte refinada. Ambas afirmaciones son válidas, solo que las reglas son diferentes.
De paso, algo relacionado con tus gustos: lo bueno de Un héroe de sangre es precisamente que no es enrevesada —las emociones son directas, contundentes, justo lo contrario de ese estilo opresivo e introspectivo que no te gusta. Y si quieres ver el lado "más contenido y pulcro" de John Woo, generalmente se considera The Killer (1989), que es más fría, más controlada y con una estética de la violencia más madura. ¿Quieres que organice un orden de visionado de la línea de John Woo, de "directo y contundente" a "refinado"?
¿Qué es la teoría del autor?
La teoría del autor (en francés la politique des auteurs, en inglés auteur theory) sostiene una idea central: en el cine, un arte de colaboración colectiva, el director es el verdadero "autor" —como el autor de un libro o el pintor de un cuadro, el alma y la autoría de una película deben atribuirse al director.
Surgió en la década de 1950 en la revista francesa Cahiers du Cinéma. Un grupo de jóvenes críticos —Truffaut, Godard, Rohmer, Rivette, Chabrol, que luego serían la "Nouvelle Vague"— la usaron para desatar una polémica. El detonante fue un artículo muy agresivo de Truffaut en 1954, que atacaba el "cine de calidad" francés dominante: guionismo, adaptación de clásicos, refinado pero sin personalidad. Propusieron como contraparte que los verdaderos artistas cinematográficos dejan en cada obra una marca personal reconocible —temas, motivos, estilo visual recurrentes.
Lo más provocador e importante de esta teoría es que reivindicó el cine de género popular. Antes, los directores de Hollywood que hacían cine comercial de género —Hitchcock, Howard Hawks, John Ford— eran considerados meros artesanos del entretenimiento, sin lugar en el arte. Los de Cahiers dijeron: no, son precisamente estos quienes, dentro del marco del thriller, el western o el cine de gánsteres, expresan una visión del mundo altamente personal; son artistas sin duda. En otras palabras, la teoría del autor trasladó el criterio de "artisticidad" de "si el tema es elevado" a "si el director tiene un estilo y una visión personal".
Esa es la regla que usé al hablar de John Woo en el mensaje anterior. Con la mirada de la teoría del autor, Un héroe de sangre trata sobre lealtad y enemistad entre hermanos, pero John Woo imprime en ella una estética de la violencia y un motivo de lealtad altamente consistentes y reconocibles —por lo que es sin duda un "autor", un artista. Por el contrario, si se usa un criterio más estricto de "cine de arte", es solo cine popular. La divergencia entre las dos reglas es esencialmente el legado de la teoría del autor.
Más tarde, el crítico estadounidense Andrew Sarris la introdujo en el mundo angloparlante en la década de 1960, traduciéndola como auteur theory y proponiendo tres criterios (habilidad técnica, estilo personal distintivo y un "significado interior" profundo en la obra). Por supuesto, también recibió muchas críticas; la más famosa es la de Pauline Kael, quien ironizó que esta teoría podía convertirse en "creación de dioses", sobrevalorando películas malas por la admiración al director y borrando las contribuciones del guionista, el director de fotografía y los actores.
Pero independientemente de la controversia, la teoría del autor cambió radicalmente nuestra forma de hablar del cine. Hoy decimos naturalmente "una película de Wong Kar-wai" o "una película de Tarantino", discutimos si un director "pasa toda la vida filmando la misma película" y preguntamos cuál es su "obra cumbre" —estas expresiones son en sí mismas el legado de la teoría del autor. Wong Kar-wai es un "autor" de manual: los motivos de la pérdida, el tiempo y la memoria resuenan una y otra vez; la fotografía de Christopher Doyle, la voz en off y la música constituyen una firma reconocible a simple vista. Toda esta conversación ha estado enmarcada en la teoría del autor.
¿Quieres que recomiende una o dos películas de iniciación a la Nouvelle Vague? Son la "puesta en práctica" de la teoría del autor, y su estilo es más bien ligero y dinámico, no necesariamente el tipo de película lenta que te preocupa.